Art Nouveau

Texto: Biblioteca de la revista D&D Diseño y Decoración en Argentina 

El mobiliario de Art Nouveau recoge toda la variedad de estilos regionales del movimiento.

Fieles al espíritu del Art Nouveau, fueron muy pocos los artesanos que se especializaron exclusivamente en mobiliario y la mayoría de ellos habían recibido formación en otras artes u oficios. La mayoría de los fabricantes de piezas de mobiliario Art Nouveau habían sido, o continuaban siendo, arquitectos que tenían interés en ampliar su zona de actuación y contral al interior de los edificios que construían.
Los mismos contrastes que se establecian en arquitectura entre ornamento y estructura, forma y función se evidenciaban en el mobiliario.

Dentro del repertorio de muebles Art Nouveau es posible ver diseños reducidos a las curvas desnudas más elegantes, así como aquellos que aparecen adornados con tallados, latón, dorados o marfil. Un contraste similar se produce entre los diseños que están ideados claramente para la comodidad y la utilidad y aquellos que prácticamente sacrifican estas dos cualidades en aras del efecto estético, Lo que proporciona coherencia a esta variedad son las curvas irrefrenables y a sensación e inventiva personal. En ciertas ocasiones, estas tendencias tuvieron que ser refrenadas, especialmente cuando se trataba de diseños destina- dos a la producción industrial. La atención prestada al detalle y la manipulación de los materiales generalmente hacían al mobiliario Art Nouveau poco apto para otro modo de fabricación que no fueran las manos de cada artesano.

Como ocurrió en Inglaterra con el movimiento de las Artes y Oficios, el diseñador de Art Nouveau se vio forzado a aceptar el hecho de que su obra era, esencialemente, un lujo caro para una élite, a pesar del tipo de ideales utópicos como los de Morris según los cuales el arte es para todos. Los muebles Art Nouvear de fabricacion idustrial perdían, de forma inevitable, buena parte de su vitalidad natural y eran una versión tosca de las piezas equivalentes trabajadas a mano. Es posible que los arquitectos estuvieran deseosos de emplear los nuevos materiales, como el hierro y el acero, pero cuando se trataba de diseñar mobiliario su estilo era, básicamente, inapropiado para las técnicas modernas de producción.

Buena parte de la vitalidad del Art Nouveau provenía de diferentes centros de provincias, En Francia, las artes decorativas no se circunscribieron a París, sino que también florecieron en la ciudad de Nancy, en Lorraine. Históricamente, Nancy era la ciudad de a industna de proucción de cristal. La persona que encabezo el movimiento de recuperacion dentro del estilo Art Nouveau, de la industria principal de Nancy fue Emil Gallé (1846-1904), heredero de un pequeño negocio de cerámica y artículos de cristal. Gallé viajó a Inglaterra en los años setenta y allí se contagió del entusiasmo creciente por las artes decorativas. Se dedicó también a estudiar la colección de arte oriental del Victoria & Albert Museum y, con los conocimientos recién adquiridos sobre las técnicas chinas y japonesas, regresó a Nancy para volver a poner en marcha el taller de su padre. Gallé no era sólamente un orientalista entusiasta, sino que también poseía conocimientos, a nivel de especialista, de botánica y entomología, sus otras pasiones como aficionado, Tenía como bagaje un conocimiento de primera mano sobre las formas de las hojas, flores e insectos, el cual, cuando se unía a la tendencia de los japoneses a la abstracción, se combinaba para formar la mezcla del Art Nouveau. Un Tercer ingrediente, el rococó, ya era evidente en Nancy en donde había muchas casas magníficas y motivos decorativos en dicho estilo.

En 1884, después de trabajar varios años el cristal y la cerámica, Gallé comenzó a diseñar y producir piezas de mobiliario. Al principio, sus diseños eran algo pesados, pero siempre animados con detalles naturales alegres. El éxito llegó en 1889, en la Exposición Internacional de París, donde a Gallé se le reconoció como innovador, creador de un nuevo estilo como reacción contra la tendencia poco imaginativa a recuperar nuevos estilos propia del mobiliario francés contemporáneo. Las obras de Gallé fueron ganando cada vez más en ligereza y en ornamentación; las formas de la naturaleza no se limitaban a los detalles: brazos, patas y respaldos enteros se tallaban con formas de plantas o insectos que se curvaban y retorcían para dar vida al conjunto y, al parecer, para desafiar a la naturaleza de la propia madera. Aunque estilizadas, esas formas gráciles casi siempre eran plantas identificables pertenecientes a especies conocidas para Gallé. Sus preferidas eran las plantas locales, por ejemplo el perifollo, nenúfares, orquídeas y lirios, aunque también recurría a plantas exóticas como el bambú.

Gallé prefería maderas blandas, sobre las que poseía un conocimiento profundo, que le facilitaran la creación de los electos que deseaba conseguir, entre los que se incluía la importante recuperacion del arte de la marquetería. La mayoría de las superficies de los muebles de Gallé se convirtieron en terrenos preparados para las incrustaciones más intrincadas de motivos de plantas, insectos o paisajes que podían dar lugar a una sobrecarga de efectos. Sin embargo, la artesanía era tan fina que la propia firma de Gallé, de trazos estilizados, pudo ser reproducida en sus obras.
El dominio de Gallé en el arte de la marquetería, le abrió el camino a la expresión de la poesía y de temas literarios en su mobiliario. Le gustaba incluir citas apropiadas y, como un signo de la fusión de las artes y los oficios en el Art Nouveau, algunas de sus piezas recibieron nombres, como si se tratase de cuadros o piezas musicales. Una consola de la que fue autor se convirtió en Les Parfums d’Autrefois (Los perfumes del pasado), y su última pieza maestra a1 cama que diseñó cuando se estaba muriendo a causa de una leucemia, Aube et Crépuscule (Amanecer y Crepúsculo). Esta última pieza constituye una muestra de la contención cada vez mayor de Gallé en su estilo tardío,en la que simplificó las formas y eliminó buena parte de la complejidad de su obra anterior, a la vez que se convertía en una obra de arte de marquetería. En el cabecero, las alas caídas de un insecto fantástico envuelven las oscuras sombras del crepúsculo, mientras en el pie de la cama se reproducen con maderas más claras y madreperla las alas extendidas de otros insecto enorme.

Gallé sirvió de inspiración a unos cuantos artesanos, reunido bajo la denominación Escuela de Nancy, quienes se convirtieron en un grupo formal abierto en 1901, al fundar la Alianza Provincial de las Industrias del Arte (1859-1926). Tras Callé destaca la figura de Louis Majorelle, el cual se formó como pinto para posteriormente centrar sus esfuerzos en la dirección de negocio familiar de muebles en Nancy. Majorelle empezó diseñando en estilo del siglo XVIII hasta que Gallé le convenció para, que impregnara su trabajo de un naturalismo más vitalista. Con todo, sus piezas son bastante más sólidas que las de Gallé en parte porque se mostraba a favor del empleo de maderas más resistentes y exóticas. Los elementos más escultóricos de las obras de Majorelle aparecen en los motivos ornamentales en dorado, cobre o bronce que el artista añadía, inspirados todavía en cierto modo por el barroco y el rococó. Majorelle igualó a Gallé en la calidad de sus trabajos de marquetería pero de forma genera su estilo difiere en las líneas mas suaves empleaas por aquél. Así pues, Majorelle fue capaz de llevar a cabo con éxito la transición hacia el estilo más sencillo de los años veinte.

Otros ebanistas de Nancy trabajaron para Majorelle o para Gallé y, de forma ocasional, para ambos. Victor Prouyé (1858-1943) se especializó en trabajos de marquetería para los dos maestros, además de diseñar sus propias piezas. Eugene Vallin (1856-1925) trabajó para Galle y realizó piezas de mucho mayor peso que las de su maestro. La obra de Vallin huye del detalle natural complicado y se concentra en la línea amplia y ondulante. El final de su carrera como ebanista se inició cuando se introdujo en el mundo de la arquitectura y empezó a utilizar cemento moldeado para conseguir efectos. Jacques Gruber realizó diseños para Majorelle fue también Catedrático de Artes Decorativas en la Escuela de Bellas Artes de Nancv. Sus piezas de mobiliario comparten las mismas formas fluidas de Vallin y se apartan de los detalles rococó de Gallé.

En París, la “Galerie de l’Art Nouveau” de Samuel Bing era el principal escaparate del mobiliario Art Nouveau, así como de otras artes. Como reflejo de la corriente nacionalista que se había puesto de moda en la Francia de aquella época, Bing animaba a los artesanos que trabajaban para él a estudiar la gran tradición francesa de “gracia, elegancia, pureza y lógica sensata” y, sobre todo, el porte refinado de la obra del siglo XVlll. Los diseñadores parisinos de Art Nouveau tendían a evitar el detalle plenamente floral de Nancy y se concentraban en la pureza de la linea fluida y ligera. Bing expuso una amplia gama de trabajos pero favorecio al reducido núcleo de tres fabricantes de muebles: Eugene Gaillard, Georges de Feure y Edward Colonna.

Gaillard representa la cara funcional del mobiliario Art Nouveau. El artista estudió el problema de la función en el diseño y creó obras de una sencillez cada vez más simple, casi clásica. Sus sillas buscaban la comodidad por medio de respaldos moldeados, en ocasiones con almohadillado a la altura del hombro, y asientos de muelles tapizados con cuero o tejidos. Georges de Feure, pintor y poeta, se acercaba a la figura del dandy. Era criador de galgos, a los que admiraba por sus esbeltas figuras Art Nouveau. Incorporó mas colorido y decoración a sus muebles, mediante revestidos dorados y lacas de color, así como motivos tallados, detalles poco frecuentes en la obra de Gaillard, El tercero, Edward Colonna, había emigrado desde Colonia hasta Norteamérica, donde trabajó para Tiffany antes de regresar a Europa para continuar su carrera en París, Los muebles de Colonna, como los de Feure, formaban parte de una producción más extensa que incluía porcelana y tejidos, y poseían una elegancia delicada y discreta que también se acercaba mucho al estilo de Feure, Cuando en la Feria Mundial de París de 1900 se rindió homenaje a Bing concediéndole un pabellón propio dedicado al Art Nouveau, estos tres diseñadores fueron los encargados de decorarlo y amueblarlo.

En Inglaterra, las artes mas destacadas comenzaron a desviarse del estilo Art Nouveau a principios del siglo XX. Esto resultaba paradójico ya que Mackmurdo y su grupo Century Guild lo habían creado en los años ochenta, En aquel momento Mackmurdo había producido alguna pieza tallada en la que se empleaban las formas envolventes del frontispicio de su Wren’s City Churches, pero cuando el estilo se popularizó en el resto de los lugares, los diseñadores ingleses habían regresado a formas rectilíneas más marcadas o a la sencillez de los estilos campestres. lo mismo ocurrió en Estados Unidos, donde la influencia de la obra del movimiento inglés de las Artes y Oficios y la preferencia nacional por un estilo gótico sencillo eran marcadas. Sin embargo hubo una excepción. Charles Rohlfs, el cual tuvo un éxito notable. Rohlfs se apartó de la carrera de actor para centrarse en las artes y consiguió combinar con maestría las formas envolventes del Art Nouveau europeo con la influencia local del estilo Misión de inspiración barroca, dando a sus piezas un aire cosmopolita aderezado con n toque nativo Rohlfs expuso en Turín en 1902 y tuvo el suficente éxito como para abrir ocho salas de exposiciones en los Estados Unidos, con la sede central en Buffalo.

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